Editions
Artist’s edition with a drawing by Vidya Gastaldon silkscreened on an organic cotton and fair-trade t-shirt by Antoine Fisher.
Edition of 70.
Model Caroline Schattling Villeval
Edition d’artiste avec un dessin de Vidya Gastaldon sérigraphié sur un t-shirt en coton bio et fair trade par Antoine Fisher.
Edition de 70.
Modèle Caroline Schattling Villeval
Artist edition with a drawing by Guillaume Dénervaud, silkscreened on an organic cotton and fair-trade t-shirt.
Edition d’artiste avec un dessin de Guillaume Dénervaud sérigraphié sur un t-shirt en coton bio et fair trade.
Heather grey hoodies with reflective Joyfully Waiting.
Model Caroline Schattling Villeval
Listen to her contribution Sorrows on a happy face for Joyfully Waiting 8
Hoodies gris anthracite avec Joyfully Waiting réfléchissant.
Modèle Caroline Schattling Villeval
Ecoutez sa contribution Sorrows on a happy face pour Joyfully Waiting 8
Organic cotton fair trade Long Sleeve With Cuffrib & Phosphorescent letters.
Model Caroline Schattling Villeval
Listen to her contribution Sorrows on a happy face for Joyfully Waiting 8
T-shirt à manches longues en coton bio et fair trade avec lettres phosphorescentes.
Modèle Caroline Schattling Villeval Ecoutez sa contribution Sorrows on a happy face pour Joyfully Waiting 8
Screen printed by Atelier Antoine Fisher on white organic cotton & fair trade t-shirts with vivid green ink.
Model Caroline Schattling Villeval
Listen to her contribution Sorrows on a happy face for Joyfully Waiting 8
T-shirt Joyfully Waiting sérigraphié par Antoine Fisher avec une encre vert vif sur t-shirt en coton bio et fair trade.
Modèle Caroline Schattling Villeval Ecoutez sa contribution Sorrows on a happy face pour Joyfully Waiting 8
Peached Cotton Twill Cap, Joyfully Waiting cap embroidered with phosphorescent thread.
Fair trade, One Size, adjustable with strap.
Casquette en sergé de coton écru, Joyfully Waiting brodé avec fil phosphorescent.
Fair trade, taille unique, ajustable avec sangle.
Screen printed by Atelier Nicolas Wagnières on white organic cotton & fair trade t-shirts with fluo green ecotex.
Model Eva Zornio
Thanks for her superb and generous contribution to Joyfully Waiting IV here on www.jofully-waiting.ch
T-shirt Joyfully Waiting sérigraphié par Atelier Nicolas Wagnières avec une encre fluo ecotex sur t-shirt en coton bio et fair trade.
Model Eva Zornio
Ecoutez sa superbe et généreuse contribution pour Joyfully Waiting IV here on www.jofully-waiting.ch
Screen printed by Atelier Antoine Fisher on a bag 100% organic cotton canvas. Cotton certified by Control Union. Premium-quality, heavyweight fabric. Can be carried by hand or over the shoulder.
Dimensions: 38 x 42 cm.
Impression en sérigraphie par Antoine fisher sur sac en toile 100% toile de coton biologique. Coton certifié par Control Union. Tissu lourd de première qualité. Peut se porter à la main ou à l’épaule.
Dimensions: 38 x 42 cm.
Black bag with silkscreened text in phosphorescent ink by Antoine Fisher.
100% organic cotton canvas. Cotton certified by Control Union. Premium-quality, heavyweight fabric. Can be carried by hand or over the shoulder.
Dimensions: 38 x 42 cm.
Sac noir avec texte sérigraphié en encre phosphorescente par Antoine Fisher.
100% toile de coton biologique. Coton certifié par Control Union. Tissu lourd de première qualité. Peut se porter à la main ou à l’épaule.
Dimensions: 38 x 42 cm.
Joyfully waiting and Speckled-Toshe.ch have teamed up to publish a vinyl record with contributions by a selection of artists associated with Joyfully-Waiting.ch.
The record brings together key positions from the web-based project, now gathered on one physical object. The red colored vinyl is complemented by a whole series of printed supplements, a real grab bag.
Limited, numbered edition of 250 copies.
With sound pieces by
Side A | Galaxia Wang | Sandar Tun Tun | Seth Price | Chino Amobi | RM | Soraya Lutangu Bonaventure & Mohamed Almusibli | Jan Vorisek
Side B | Arttu Palmio | Marion Neumann | Galaxia Wang | Jim Fletcher | Jeanne Graff | Aline Zeltner | The Operator & Stanislav Iordanov | L’Acte pur Andreas Hochuli & Tristan Lavoyer
It comes with a text by Jazmina Figueroa Songs about Waiting and a collection of contained materials produced on supports of different kinds.
Cover image by Guy Meldem
A kind of time capsule curated by Joyfully Waiting and published by Speckled-Toshe.
Mastering by Cedrik Fermont
Dedicated to the more open-ended realm of sound art and sound works by visual artists and experimental musicians, the label Speckled-Toshe strives to realise carefully curated editions in these overlapping scenes, responding to the specific idiosyncrasies of the medium and working with a select group of individuals to create ambitious vinyl editions.
Joyfully Waiting et Speckled-Toshe.ch ont collaboré à la publication d’un vinyle avec les contributions d’une sélection d’artistes associés à Joyfully-Waiting.ch.
Le disque rassemble des éléments clés du projet en ligne, désormais réunis sur un objet physique. Le vinyle de couleur rouge est complété par toute une série de suppléments imprimés, une véritable pochette surprise.
Édition limitée et numérotée de 250 exemplaires.
Avec des pièces sonores de
Side A | Galaxia Wang | Sandar Tun Tun | Seth Price | Chino Amobi | RM | Soraya Lutangu Bonaventure & Mohamed Almusibli | Jan Vorisek
Side B | Arttu Palmio | Marion Neumann | Galaxia Wang | Jim Fletcher | Jeanne Graff | Aline Zeltner | The Operator & Stanislav Iordanov | L’Acte pur Andreas Hochuli & Tristan Lavoyer
Il est accompagné d’un texte de Jazmina Figueroa Songs about Waiting
et d’une collection de documents produits sur des supports de différents types.
Cover par Guy Meldem
Une sorte de capsule temporelle organisée par Joyfully Waiting et publiée par Speckled-Toshe.
Mastering par Cedrik Fermont
Dédié au domaine plus ouvert de l’art sonore et des œuvres sonores d’artistes visuels et de musiciens expérimentaux, le label Speckled-Toshe s’efforce de réaliser des éditions soigneusement sélectionnées dans ces scènes qui se chevauchent, en répondant aux idiosyncrasies spécifiques du médium et en travaillant avec un groupe sélectionné d’individus pour créer des éditions de vinyles ambitieuses.
INFO BUY
Disincarnations and the Blending of Echoes” explores the complex nature of identity, the dissolution of the ego, and the impact of technology on the perception of self and authorship. The author recounts their experience of having their identity entangled with a namesake, leading to a dramatic revelation and the blending of their lives. This prompts a discussion on ego death, a concept in Jungian psychology and Eastern philosophies, and its connection to music, art, and psychoactive substances.
The text also examines the role of technology, particularly large language models (LLMs), in the erosion of the author’s presence in a work, raising questions about the nature of creativity and the authenticity of texts generated by machines. The author ponders the possibility of an Anthropocene of language and communication, where machine-generated content overwhelms human creation, potentially leading to the disappearance of meaningful cultural exchange. Ultimately, the author yearns for a moment of pure presence, unencumbered by past and future.
Laurent Schmid is an artist and editor. Born in Basel in 1960.
His work explores the relationships between the construction of forms of truth, subjectivity and the personae of human and non-human individuals. He has a conceptually oriented practice. His work is oscillating between digital and analogue media.
Numerous exhibitions in galleries and museums in Switzerland and abroad.
Lately, he is busy with a gardening project, being bossed around by a member (whom he himself helped into existence) of the gardeners‘ collective.
activerat.org | speckled-toshe.ch | 6thmassextinctiongardeners.ch | electric-haze.net
Disincarnations and the Blending of Echoes” explore la nature complexe de l’identité, la dissolution de l’ego et l’impact de la technologie sur la perception du soi et de l’auteur. Laurent Schmid raconte son expérience de l’enchevêtrement de son identité avec celle d’un homonyme, qui a conduit à une révélation dramatique et à la fusion de leurs vies. Cette expérience suscite une discussion sur la mort de l’ego, un concept de la psychologie jungienne et des philosophies orientales, et sur son lien avec la musique, l’art et les substances psychoactives.
Le texte examine également le rôle de la technologie, en particulier des grands modèles de langage (LLM), dans l’érosion de la présence de l’auteur dans une œuvre, ce qui soulève des questions sur la nature de la créativité et l’authenticité des textes générés par des machines. L’auteur réfléchit à la possibilité d’une Anthropocène du langage et de la communication, où le contenu généré par les machines submerge la création humaine, ce qui pourrait conduire à la disparition d’échanges culturels significatifs. En fin de compte, l’auteur aspire à un moment de pure présence, non encombré par le passé et l’avenir.
Laurent Schmid is an artist and editor. Born in Basel in 1960.
His work explores the relationships between the construction of forms of truth, subjectivity and the personae of human and non-human individuals. He has a conceptually oriented practice. His work is oscillating between digital and analogue media.
Numerous exhibitions in galleries and museums in Switzerland and abroad.
Lately, he is busy with a gardening project, being bossed around by a member (whom he himself helped into existence) of the gardeners‘ collective.
activerat.org | speckled-toshe.ch | 6thmassextinctiongardeners.ch | electric-haze.net
INFO BUY
I first heard about Dubai in 2004, when I was an art history student in Bordeaux. An old lady, a former director of the Chagall Museum if I remember well, was crusading from university to university, museum to museum in order to make people realize what a disaster it would be to let a Louvre museum open in the UAE and all its Master pieces exhibited in a desert. Almost 20 years after, not only UAE’s museums are investing in the best fine art or loaning artworks from the best historical museums in the world, but its cities are also becoming open air museums themselves, which might predict what the global city of the future could become. For better or for worse.
Benoît Lamy de La Chapelle est commissaire d’exposition et critique d’art vivant et travaillant en France. Il dirige actuellement le CAC- la synagogue de Delme.
J’ai entendu parler de Dubaï pour la première fois en 2004, lorsque j’étais étudiant en histoire de l’art à Bordeaux. Une vieille dame, ancienne directrice du musée Chagall, si je me souviens bien, partait en croisade d’université en université, de musée en musée, pour faire comprendre aux gens quel désastre ce serait d’ouvrir un musée du Louvre aux EAU et d’exposer toutes ses pièces maîtresses dans un désert. Près de 20 ans plus tard, non seulement les musées des Émirats arabes unis investissent dans les meilleures œuvres d’art ou prêtent des œuvres d’art aux meilleurs musées historiques du monde, mais leurs villes deviennent elles-mêmes des musées en plein air, laissant présager ce que pourrait devenir la ville mondiale du futur. Pour le meilleur ou pour le pire.
Benoît Lamy de La Chapelle is a curator and art critic based in France. He is currently director of CAC – la synagogue de Delme.
The Great Noise by Jazmina Figueroa reflects on the legitimacy of innocence during a period of witch trials in the 1600s in Sweden when children were forced to identify evildoers and those who were accused to go against catholic law.
Jazmina Figueroa is a Berlin-based writer.
In her work, she focuses on the consequences (or imaginaries) that correlate with entropy through recorded and arranged performance lectures, written works, and curation – as a positive force and non-linear movement.
Her previous writing and research also critically examine data extraction and experiences with new media and technology as immensely personal, non-scalable, and inherently socio-political. Jazmina’s essays on artistic subjects have been featured in Texte Zur Kunst, Flash Art, ArtForum, The Arts Of Working Class, and other publications.
In 2020, Jazmina was shortlisted for the Montez Press writers grant and commissioned to write her essay Infinite Whole. Her other published essays include On Expanded Spectatorship (March Journal, 2021), The Double Helix and Indigeneity: The Relationship Between Identity and Genomics featured in the 0.1% exhibition publication (Navel, 2019), and Methods of Representation in the book entitled Authenticity?: Observations and Artistic Strategies in the Post-Digital Age (Valiz, 2017).
In 2021, Jazmina was invited to participate in the Beyond Matter research project at Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) in Karlsruhe/Germany, as an artist-in-residence. A recent exhibition by Jazmina titled, Call Signs (2021-ongoing) is a performance lecture for virtual realms, exhibited and archived in ZKM’s virtual space fantastic confabulations. In 2020, she co-founded tbc. to initiate an open-ended action network and showcase meaningful work that happens across echo chambers with artists, activists, musicians, and writers.
The Great Noise par Jazmina Figueroa interroge la légitimité de l’innocence pendant une période de procès de sorcières dans les années 1600 en Suède, lorsque les enfants étaient forcés d’identifier les malfaiteurs et ceux qui étaient accusés d’aller à l’encontre de la loi catholique.
Jazmina Figueroa est une écrivaine basée à Berlin.
Son travail porte sur les conséquences (ou les imaginaires) qui sont en corrélation avec l’entropie par le biais de performances enregistrées et arrangées, de travaux écrits et de curating – en tant que force positive et mouvement non linéaire.
Ses écrits et recherches antérieurs examinent également de manière critique l’extraction de données et les expériences avec les nouveaux médias et la technologie comme étant immensément personnelles, non extensibles et intrinsèquement sociopolitiques. Les essais de Jazmina sur des sujets artistiques ont été publiés dans Texte Zur Kunst, Flash Art, ArtForum, The Arts Of Working Class et d’autres publications.
En 2020, Jazmina a été sélectionnée pour la bourse d’écriture de Montez Press et a été chargée d’écrire son essai Infinite Whole. Parmi les autres essais qu’elle a publiés, citons On Expanded Spectatorship (March Journal, 2021), The Double Helix and Indigeneity : The Relationship Between Identity and Genomics, présenté dans la publication de l’exposition 0.1% (Navel, 2019), et Methods of Representation dans le livre intitulé Authenticity?: Observations and Artistic Strategies in the Post-Digital Age (Valiz, 2017).
En 2021, Jazmina a été invitée à participer au projet de recherche Beyond Matter au Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) à Karlsruhe/Allemagne, en tant qu’artiste en résidence. Une exposition récente de Jazmina intitulée Call Signs (2021-ongoing) est une conférence performative pour les royaumes virtuels, exposée et archivée dans l’espace virtuel du ZKM, Fantastic Confabulations. En 2020, elle a cofondé tbc. afin d’initier un projet de recherche ouvert à tous.
Bill Dietz and Katz Tepper are staying home. Long before the start of the COVID-19 pandemic, composer Bill Dietz and artist Katz Tepper’s work was engaged in questions of remoteness, access, disability, and domesticity. For Dietz & Tepper, “liveness” and “presence” are historically bound to ableist white supremacy such that any call for a “return” to “sharing physical space” must answer to the problematics that have perpetually made that “sharing” violent and exclusionary. A series of conversations between the artists on their parallel and divergent commitments to the political necessities and imaginative prospects of remoteness have been transcribed and distilled using assistive and corrective access technologies, and then re-recorded by the artists, leaving their own articulations re-distributed, re-attributed, remote to themselves. Neither the audio nor textual version of this contribution is primary. Each is a transformation of the other and a document of the nonlinear process of working and thinking together remotely throughout summer 2022.
Featuring:
Zoom, Skowhegan, Bard College, Florence (Italy), Athens (Georgia), laptop computers, phones, print-outs, so many email threads, so many google-docs, multiple Otter.ai transcriptions, Whatsapp, friends, partners, family, shared passwords, a hotel room in Irvington (New Jersey), air-conditioning, no air-conditioning in record breaking heat, insomnia, rest, no wifi, secret wifi at the final hour
Supported by:
“Bangin’ on a trashcan” (as featured in Doug), Billie Eilish’s “Happier than Ever,” Meshell Ndegeocello’s “Objects in the Mirror are Closer than they Appear,” Willow Smith’s “Grow,” the theme song from Degrassi Junior High, the theme song from Reading Rainbow, the theme song from The Sopranos
With thanks to:
Nathalie Rebholz & Hannah Weinberger
Bill Dietz is a composer and writer, born in Arizona. Since 2012, he is co-chair of the Music/Sound Department in Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts in New York. His work on the “political aesthetics of listening” is often presented in festivals, museums, and academic journals, but also in apartment buildings, magazines, and on public streets. In 2013 he co-founded Ear│Wave│Event with Woody Sullender. He has published two books of listening scores: one on his Tutorial Diversions series, meant to be performed at home (Eight Tutorial Diversions, 2009–2014, 2015); and the other, made up of “concert pieces,” based on historical and contemporary audience behavior (L’école de la claque, 2017). With Amy Cimini, he co-edited, Maryanne Amacher: Selected Writings and Interviews (2020), and he is co-author, with Kerstin Stakemeier, of Universal Receptivity (2021).
Katz Tepper is an interdisciplinary artist working in moving image, text, installation, sculpture, and clothing. Their work is concerned with entanglements that dissolve boundaries between internal and external. Tepper was born in Florida in 1987 to parents from a lot of different places, and is now based in Athens, GA. They are a recipient of the Wynn Newhouse Award, a MacDowell Fellowship, a Foundation for Contemporary Arts COVID-19 Bridge Fund Grant, and attended the Skowhegan School of Art. They earned a BFA from the Cooper Union and an MFA from Bard College. Solo presentations of their work include White Columns (New York), Atlanta Contemporary (Atlanta), Species (Atlanta), the Dodd Galleries at University of Georgia, Howard’s Athens (Georgia), and The Hand (Brooklyn). Group shows include ‘Sick Time, Sleepy Time, Crip Time: Against Capitalism’s Temporal Bullying’ at Red Bull Arts, Detroit and ‘A Fence Around the Torah: Safety and Unsafety in Jewish Life’ at the Jewish Museum of Maryland . Their work has been featured in Mousse Magazine, Art in America, Jewish Currents, Art Papers, Art Review, Art News, TimeOut New York, ArtNet, and Burnaway. Their writing has appeared in Burnaway and HTML Giant. In the second spring of the pandemic they taught an international remote course through BARD OSUN called ‘Problematizing the Object in Remote Conditions’. They have also participated in a range of collaborative practices, including Canaries Collective and most recently creating a site-specific clothing line for a unit at J&J’s flea market with Luka Carter and Mo Costello. Tepper continues to make shirts you can check out here.
Bill Dietz et Katz Tepper restent à la maison. Bien avant le début de la pandémie de COVID-19, le travail du compositeur Bill Dietz et de l’artiste Katz Tepper était déjà engagé dans les questions d’éloignement, d’accès, de handicap et de domesticité. Pour Dietz et Tepper, la “liveness et la “présence” sont historiquement liées à la suprématie blanche discriminante, de sorte que tout appel à un “retour” au “partage de l’espace physique” doit répondre aux problématiques qui ont perpétuellement rendu ce “partage” violent et excluant. Une série de conversations entre les artistes sur leurs engagements parallèles et divergents envers les nécessités politiques et les perspectives imaginatives de l’éloignement ont été transcrites et distillées à l’aide de technologies d’assistance et d’accès correctif, puis réenregistrées par les artistes, laissant leurs propres articulations redistribuées, réattribuées, éloignées d’eux-mêmes. Ni la version audio ni la version textuelle de cette contribution ne sont principales. Chacune est une transformation de l’autre et un document du processus non linéaire de travail et de réflexion à distance tout au long de l’été 2022.
Avec :
Zoom, Skowhegan, Bard College, Florence (Italie), Athènes (Géorgie), ordinateurs portables, téléphones, impressions, tant de fils d’emails, tant de google-docs, de multiples transcriptions d’Otter.ai, Whatsapp, amis, partenaires, famille, mots de passe partagés, une chambre d’hôtel à Irvington (New Jersey), air conditionné, pas d’air conditionné sous une chaleur record, insomnie, repos, pas de wifi, wifi secret à la dernière heure.
Soutenu par :
“Bangin’ on a trashcan” (tel que présenté dans Doug), “Happier than Ever” de Billie Eilish, “Objects in the Mirror are Closer than they Appear” de Meshell Ndegeocello, “Grow” de Willow Smith, la chanson thème de Degrassi Junior High, la chanson thème de Reading Rainbow, la chanson thème des Sopranos.
Remerciements à :
Nathalie Rebholz & Hannah Weinberger
Bill Dietz est un compositeur et écrivain, né en Arizona. Depuis 2012, il est co-président du département Musique/Son du Bard College’s Milton Avery Graduate School of the Arts à New York. Son travail sur “l’esthétique politique de l’écoute” est souvent présenté dans des festivals, des musées et des revues universitaires, mais aussi dans des immeubles d’habitation, des magazines et dans la rue. En 2013, il a cofondé Ear│Wave│Event avec Woody Sullender. Il a publié deux livres de partitions d’écoute : l’un sur sa série Tutorial Diversions, destinée à être exécutée à la maison (Eight Tutorial Diversions, 2009-2014, 2015) ; et l’autre, composé de ” pièces de concert “, basées sur le comportement historique et contemporain du public (L’école de la claque, 2017). Avec Amy Cimini, il a coédité Maryanne Amacher : Selected Writings and Interviews (2020), et il est coauteur, avec Kerstin Stakemeier, de Universal Receptivity (2021).
Booklet 1, December 2021
Over the past half-century, artists and theorists have celebrated the utopian potential of sound and music to create experiences of space and time that resist or provide alternatives to capitalist reification, individualism, and exploitation. In the first part of this essay, I trace some of the ways that time and space have been implicated in the history of the concept of utopia and, particularly, in some musical utopias of the late 20th century. In the second part, I more fully explore the temporal resonance of utopia in experimental music and sound art.
This essay was originally published in Immediacy and Simultaneity: Utopia of Sound, ed. Diedrich Diederichsen and Constanze Ruhm (Vienna: Academy of Fine Arts, Vienna/Schlebrügge, 2010), pp. 43–63. I have made minor modifications for this version. For my more recent reflections on some of the topics discussed here, see Sonic Flux: Sound, Art, and Metaphysics (Chicago: University of Chicago Press, 2018) and “Capture and Release: Capitalism and the Flows of Sound,” in Audiosphere: Sound Experimentation, 1980–2020 (Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 2020), pp. 142–51, available here: http://faculty.hampshire.edu/ccox
Christoph Cox is a philosopher, critic, and curator of visual and sonic art. He teaches modern and contemporary philosophy and art theory at Hampshire College, where he also serves as vice president for academic affairs and as the dean of faculty. He is the author of Sonic Flux: Sound, Art, and Metaphysics (University of Chicago Press, 2018) and Nietzsche: Naturalism and Interpretation (University of California Press, 1999), and co-editor of Realism Materialism Art(Sternberg, 2015) and Audio Culture: Readings in Modern Music (Continuum, 2004/2017). Christoph is editor-at-large at Cabinet magazine and his writing has appeared in October, Artforum, Journal of the History of Philosophy, Journal of Visual Culture, Organised Sound, and elsewhere. He has curated exhibitions at the Contemporary Arts Museum Houston, The Kitchen, CONTEXT Art Miami, New Langton Arts, G Fine Art Gallery, and other venues.
Booklet 1, Decembre 2021
Au cours du dernier demi-siècle, les artistes et les théoriciens ont célébré le potentiel utopique du son et de la musique pour créer des expériences de l’espace et du temps qui résistent ou offrent des alternatives à la réification, à l’individualisme et à l’exploitation capitalistes. Dans la première partie de cet essai, je retrace certaines des façons dont le temps et l’espace ont été impliqués dans l’histoire du concept d’utopie et, en particulier, dans certaines utopies musicales de la fin du XXe siècle. Dans la deuxième partie, j’explore plus en détail la résonance temporelle de l’utopie dans la musique expérimentale et l’art sonore.
Cet essai a été initialement publié dans Immediacy and Simultaneity : Utopia of Sound, ed. Diedrich Diederichsen et Constanze Ruhm (Vienne : Académie des Beaux-Arts, Vienne/Schlebrügge, 2010), pp. 43-63. J’ai apporté des modifications mineures pour cette version. Pour mes réflexions plus récentes sur certains des sujets abordés ici, voir Sonic Flux : Sound, Art, and Metaphysics (Chicago : University of Chicago Press, 2018) et “Capture and Release : Capitalism and the Flows of Sound “, dans Audiosphere : Sound Experimentation, 1980-2020 (Madrid : Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, 2020), pp. 142-51, disponible ici : http://faculty.hampshire.edu/ccox.
Christoph Cox est philosophe, critique et curateur d’art visuel et sonore. Il enseigne la philosophie moderne et contemporaine et la théorie de l’art au Hampshire College, où il occupe également les fonctions de vice-président des affaires académiques et de doyen de la faculté. Il est l’auteur de Sonic Flux : Sound, Art, and Metaphysics (University of Chicago Press, 2018) et de Nietzsche : Naturalism and Interpretation (University of California Press, 1999), et co-éditeur de Realism Materialism Art (Sternberg, 2015) et Audio Culture : Readings in Modern Music (Continuum, 2004/2017). Christoph est rédacteur en chef du magazine Cabinet et ses écrits sont parus dans October, Artforum, Journal of the History of Philosophy, Journal of Visual Culture, Organised Sound, et ailleurs. Il a été commissaire d’expositions au Contemporary Arts Museum Houston, The Kitchen, CONTEXT Art Miami, New Langton Arts, G Fine Art Gallery et dans d’autres lieux.
I wanted to write something about sleep and listening, about the experience of time and what had silently transformed me in the last few months. It turns out that in writing what I imagined to be a reasonably short essay, this piece became more extensive. It includes passages of fiction, others of theory, which are interwoven, mixed, while being crossed by something autobiographical. Initially, the text was not intended to be read, and I thought of accompanying it with a soundtrack. This musical extension would have been a translation or a sound extension, a kind of background that would have revealed specific non-textual sources. Once again, upon reading, the text proved to have its autonomy, and an audio version, very different from what I had imagined, was realized with the collaboration of composer Eric Desjeux. It emphasizes one of the ideas at the origin of Oblivion, that of a work that one could experience while sleeping, which raises the question of the latent powers of passivity, or, precisely, of activity per somnia.
Yann Chateigné Tytelman is a curator and writer based in Brussels. His interests span from minor histories to countercultures, sciences of the mind to the politics of obscurity. He is currently exploring how an exhibition can take the form of a novel, while researching the subject of the disappearance of the Night. Often working in cooperation, his projects navigate the intersections of curating, publishing, performance and education. In 201–22, he will be guest curator at Country SALTS, a new space operating in the countryside near Basel, connecting art and rural ways of life. In parallel, he is the guest mentor of the Fall/Winter Session at MORPHO artists residency in Antwerp. Since 2018, he also acts as PhD Supervisor at the Royal Academy of the Arts in Oslo.
J’avais envie d’écrire quelque chose sur le sommeil et l’écoute, sur l’expérience du temps et ce qui m’avait transformé silencieusement ces derniers mois. Il se trouve qu’au fil de l’écriture de ce que j’imaginais être un assez court essai, cette pièce est devenue plus ample. Elle inclut des passages qui relèvent de la fiction, d’autres de la théorie, qui se tressent, se mêlent, tout en étant traversée par quelque chose d’autobiographique. Initialement, le texte n’avait pas été pensé pour être lu, et je pensais l’accompagner d’une bande-son, d’une d’extension musicale qui en aurait été la traduction ou une extension sonore, une sorte d’arrière plan qui en aurait révélé certaines sources non textuelles. Encore une fois, à la lecture, le texte s’est avéré avoir son autonomie, et une version audio, très différente de ce que j’imaginais, a été réalisée avec la collaboration du compositeur Eric Desjeux. Elle met l’accent sur l’une des idées à l’origine d’Oblivion, celle d’un travail dont on pourrait faire l’expérience en dormant, et qui pose la question des pouvoirs latents de la passivité, ou, justement, de l’activité per somnia.
Décembre 2021
Yann Chateigné Tytelman est curateur et auteur. Il vit et travaille à Bruxelles. Son travail se concentre sur l’étude des histoires mineures et des contre-cultures, des explorations intérieures et des politiques de l’obscurité. Il travaille actuellement à comprendre comment une exposition peut prendre la forme d’un roman, tout en se consacrant à une recherche sur la disparition de la Nuit. Travaillant souvent de manière coopérative, ses projets entrecroisent curating, édition, performance et éducation. Il est le curateur invité 2021–22 de Country SALTS, un nouvel espace qui ouvre cette année dans la campagne près de Bâle, dont l’objet est de lier pratiques artistiques et formes de vie rurales. En parallèle, il est mentor invité pour la session automne/hiver de la résidence d’artistes MORPHO à Anvers. Depuis 2018, il est superviseur de PhD à la Royal Academy of the Arts à Oslo.
Artworks
To buy a sound art work is a unique way to support artists and Joyfully Waiting. It is an opportunity for artists such as writer, musicians and poets to monetize their immaterial art works.
All sound artworks are recorded and distributed on an analogue audio tape ind an edition of 3 as well as digitally on a USB key. Furtehrmore Joyfully Waiting provides a certificate of authenticity.
Payments are accepted both by credit card or via bank transfer.
Acheter une œuvre d’art sonore est une façon unique de soutenir les artistes et Joyfully Waiting.
C’est une opportunité pour les artistes tels que les écrivains, les musiciens et les poètes de monétiser leurs œuvres d’art immatérielles.
Les œuvres sonores sont digitales sur une clé USB, enregistrées sur une cassette audio pour l’archivage analogique, éditées à 3 exemplaires, et accompagnées d’un certificat d’authenticité.
Galaxy Man
All music written and performed by Stefan Tcherepnin, a.k.a. Riddaren.
Stefan Tcherepnin’s approach to composition and performance is influenced by his visual art practice and vice versa. In recent exhibitions, he has often staged furry beings in theatrical sets, and environments that point to the abstractions of US consumer culture and politics, but also to something more open-ended and utopian, drawing together potential pasts and futures. In addition to his visual art practice, his band Afuma (alongside artist Taketo Shimada) released their first record on Blank Forms Editions in 2019. His recording of the visionary composer Maryanne Amacher’s Petra for two pianos, alongside Swiss pianist Marianne Schroeder, was also released by Blank Forms in 2019. Currently, he regularly performs with Stockholm-based drummer Paul Sigerhall as Kvantum and has a Serge Modular based recording project with Anders Enge.
Musique écrite et interprétée par Stefan Tcherepnin, alias Riddaren.
La manière dont Stefan Tcherepnin approche la composition et la performance est influencée par sa pratique d’art plastique et vice versa. Dans ses récentes expositions, il a souvent mis en scène des êtres à fourrure dans des décors théâtraux et des environnements qui renvoient aux abstractions de la culture de consommation et de la politique américaines, mais aussi à quelque chose de plus ouvert et de plus utopique, tissant des passés et des futurs potentiels. En plus de sa pratique artistique visuelle, son groupe Afuma (aux côtés de l’artiste Taketo Shimada) a sorti son premier disque sur Blank Forms Editions en 2019. Son enregistrement de Petra pour deux pianos de la compositrice visionnaire Maryanne Amacher, aux côtés de la pianiste suisse Marianne Schroeder, a également été publié par Blank Forms en 2019. Actuellement, il se produit régulièrement avec le batteur Paul Sigerhall, basé à Stockholm, sous le nom de Kvantum et a un projet d’enregistrement basé sur Serge Modular avec Anders Enge.
I love you
Text and reading by Jeanne Graff.
Mastering by Antoine Siron.
Curator and writer Jeanne Graff was born in Vevey and lives in New York. Her first novel Vzshhzz has been published by Semiotext(e)/MIT Press in 2018, its French translation by Les presses du réel in 2023. Her second novel Total Freedom will be published by Semiotexte in 2024. She has organized numerous exhibitions in Europe, in the United States, and in China, with among others Juliana Huxtable, Anne Imhof, Mai-Thu Perret, John Armleder, Isabelle Cornaro, Dewar & Gicquel, Stefan Tcherepnin. She is a columnist for May Revue (Paris), and teaches at HEAD art school in Geneva. In 2014, Graff founded 186f Kepler, an art space without walls based in New York. Graff recently completed a writing residency at Villa Noailles in Hyeres, France, Documenta 14 (Athens) and I:Project Space (Beijing).
Texte et lecture par Jeanne Graff
Mastering par Antoine Siron.
L’écrivaine, artiste et curatrice Jeanne Graff est née à Vevey et vit à Lausanne et à New York. Son premier roman Vzshhzz a été publié en 2018 par Semiotext(e) / MIT Press et sa traduction française par les presses du réel en 2023. Elle a organisé de nombreuses expositions en Europe, aux Etats-Unis et en Chine avec entre autres Juliana Huxtable, Anne Imhof, Mai-Thu Perret, Stefan Tcherepnin, et fonde en 2014 l’espace d’art itinérant 186f Kepler. Elle est chroniqueuse pour May Revue (Paris), enseigne à la HEAD Genève, et a enseigné à Harvard University Cambridge MA, Hong Kong University. Elle a récemment bénéficié d’une résidence d’écriture à la Villa Noailles (Hyères, France).
forming and throwing snowballs in (rain)
Here in Dallas, some sounds are far away, some are very close. We tried to compress them into snowballs by just pressing the microphone, like a snowball. A contact microphone, which only transduces structure-borne sound, is attached to the ceiling window, for the sound of the weather, and here rain mixes with snow.
Headphones recommended.
Nora Schultz in collaboration with Liam McGill
With special thanks to Thomas Feulmer for the recording during rainstorm
2-channel sound
Ici à Dallas, certains sons sont lointains, d’autres très proches. Nous avons essayé de les comprimer en appuyant simplement sur le microphone, comme une boule de neige. Un microphone de contact, qui ne transmet que les sons transmis par la structure, est fixé à la fenêtre du plafond, pour le son de la météo, et ici la pluie se mélange à la neige.
Nora Schultz en collaboration avec Liam McGill.
Avec des remerciements particuliers à Thomas Feulmer pour l’enregistrement pendant l’orage.
Son à 2 canaux
forming and throwing snowballs in (rain)
Here in Dallas, some sounds are far away, some are very close. We tried to compress them into snowballs by just pressing the microphone, like a snowball. A contact microphone, which only transduces structure-borne sound, is attached to the ceiling window, for the sound of the weather, and here rain mixes with snow.
Headphones recommended.
Nora Schultz in collaboration with Liam McGill
With special thanks to Thomas Feulmer for the recording during rainstorm
2-channel sound
Ici à Dallas, certains sons sont lointains, d’autres très proches. Nous avons essayé de les comprimer en appuyant simplement sur le microphone, comme une boule de neige. Un microphone de contact, qui ne transmet que les sons transmis par la structure, est fixé à la fenêtre du plafond, pour le son de la météo, et ici la pluie se mélange à la neige.
Nora Schultz en collaboration avec Liam McGill.
Avec des remerciements particuliers à Thomas Feulmer pour l’enregistrement pendant l’orage.
Son à 2 canaux
Sorrows on a happy face
But I’m maybe not in the good place to talk about this as you might not feel concerned, and I’ve never felt I was right to affirm myself as a politicized person. I’ve heard, I mean, I’ve read, that what people like, nowadays, is to take pictures. If you’d like, you can take a picture with me. I’m maybe not the funniest, the most beautiful one, but I’d be very content. This would mean, I really, I mean, really really really really really contaminated you. Which would be a little victory!
Excerpt from the song Sorrows on a happy face, 2021
Starting from the idea of contamination, Caroline Schattling Villeval explores questions related to personal well-being, political positioning and self-engagement. A funny and melancholic critique of our posture in this happycracy.
Mastering by Antoine Siron.
But I’m maybe not in the good place to talk about this as you might not feel concerned, and I’ve never felt I was right to affirm myself as a politicized person. I’ve heard, I mean, I’ve read, that what people like, nowadays, is to take pictures. If you’d like, you can take a picture with me. I’m maybe not the funniest, the most beautiful one, but I’d be very content. This would mean, I really, I mean, really really really really really contaminated you. Which would be a little victory!
Extrait de la chanson Sorrows on a happy face, 2021
En partant de l’idée de contamination, Caroline Schattling Villeval explore des questions liées au bien-être personnel, au positionnement politique et à l’engagement de soi. Une critique drôle et mélancolique de notre posture dans cette happycracy.
Mastering par Antoine Siron.
When Angels Stop Looking Like Themselves
The vision quest is a sanctuary, a way to find meaning, or myth or language. One (a language) that is yours, rather than the one which controls you.
From Emily Bronte to WWI soldiers, Vision has always been a way of ESCAPISM – RESISTANCE.
Centuries of immobilized – in the reality-trench – made a mental escape, and its meanders, the lexicon of our #letteraturadelcuore.
This is a small story about a confined girl, isolated from her friends and her well-known environment she moves along the verge of her imagination.
Credits:
An audio-piece by Mia Sanchez, after a Text by Costanza Candeloro.
Sound and Production: Yanik Soland
Voice: Laurie Mlodzik
La quête de la vision est un sanctuaire, un moyen de trouver un sens, un mythe ou un langage. Un (un langage) qui vous appartient, plutôt que celui qui vous contrôle.
D’Emily Bronte aux soldats de la Première Guerre mondiale, la vision a toujours été un moyen d’ESCAPISME – RESISTANCE.
Des siècles d’immobilisation – dans la réalité-tranchée – ont fait d’une évasion mentale, et de ses méandres, le lexique de notre #letteraturadelcuore.
C’est une petite histoire d’une fille confinée, isolée de ses amis et de son environnement bien connu, elle se déplace au bord de son imagination.
Credits:
D’après un texte de Costanza Candeloro.
Son et production : Yanik Soland
Voix : Laurie Mlodzik
Sounds like us
Much of what is heard here may seem obvious. The desire to pursue and question language and the phenomena associated with it has become an album of starting points. But what does a parrot say? This work introduces into questions of relations between word and world, its fiction and its future.
Hannah Weinberger is an artist living in Basel. Collaboration and participation are hallmarks of her practice, which utilizes the potential of sound and the properties of spaces to foster collective gatherings or assign a performative role to the audience. She has had solo exhibitions at the Centre d’Art Contemporain Geneve, Kunstverein Braunschweig, Schinkel Pavilion, Berlin, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg, Kunsthaus Bregenz, MIT List Center for Visual Arts, Cambridge, MA, Swiss Institute, New York, and Kunsthalle Basel, and elsewhere. Her work has also been presented internationally at the Ural Biennale, Ekaterinburg, Russia, Copenhagen Contemporary, Okayama Art Summit, Manifesta 11, the Lyon Biennale, and Kunsthaus Glarus. She is a lecturer at Institute Art Gender Nature HGK FHNW and a member of the board of Kunsthalle Basel.
Une grande partie de ce que l’on entend ici peut sembler évident. Le désir de poursuivre et de questionner le langage et les phénomènes qui lui sont associés est devenu un album de points de départ. Mais que dit un perroquet ? Cette œuvre introduit aux questions des relations entre le mot et le monde, sa fiction et son avenir.
Hannah Weinberger est une artiste qui vit à Bâle. La collaboration et la participation caractérise sa pratique, qui utilise le potentiel du son et les propriétés des espaces pour favoriser les rassemblements collectifs ou attribuer un rôle performatif au public. Elle a eu des expositions personnelles au Centre d’art contemporain de Genève, au Kunstverein Braunschweig, au Schinkel Pavilion de Berlin, au Kunstverein Harburger Bahnhof de Hambourg, au Kunsthaus Bregenz, au MIT List Center for Visual Arts de Cambridge, MA, au Swiss Institute de New York, à la Kunsthalle de Bâle et ailleurs. Son travail a également été présenté à l’étranger à la Biennale de l’Oural, à Ekaterinburg, en Russie, à Copenhagen Contemporary, à Okayama Art Summit, à Manifesta 11, à la Biennale de Lyon et au Kunsthaus Glarus. Elle est chargée de cours à l’Institut Art Gender Nature HGK FHNW et membre du conseil d’administration de la Kunsthalle de Bâle.
Between Tails Forever
Between Tails Forever is an exclusive collaboration between artist Mohamed Almusibli and Music Producer Soraya Lutangu Bonaventure. The spoken words of Almusibli are enhanced by Lutangu’s sensitive play on notes.
Mohamed Almusibli, born in Sana’a, Yemen, 1990 (YE & CH). Lives and works in Geneva
Mohamed’s work revolves around text and the spoken work to which he gives form in installations, performances, sound and video and addresses questions of authorship, perception and subjectivity in history and contemporary culture. His work was shown in numerous institutions such as the Renaissance Society in Chicago, The Kunsthalle Saint-Gallen and The Istituto Svizzero in Rome among others. Mohamed Almusibli is also an active curator and in 2019, he co-founded the artist run space Cherish.
Soraya Lutangu Bonaventure, 1988, Lives and works in Amsterdam, Kampala and Zürich.
“With music, performance, and film, Soraya Lutangu Bonaventure is attempting to materialize feelings dwelling between empathy, mourning, togetherness and joy. Her practice allows the creation of practical and speculative languages while finding new ways to belong in the culture continuum of Otherness. By addressing questions of displacement, aliveness and the diasporic imaginary, Bonaventure builds expressive systems of repair that speculate on the poetic notions of Blackness, queerness, technology, and spirituality.
Between Tails Forever est une collaboration exclusive entre l’artiste Mohamed Almusibli et la productrice de musique Soraya Lutangu Bonaventure. La lecture d’Almusibli sont mis en valeur par le jeu sensible des notes de Lutangu.
Between Tails Forever
Between Tails Forever is an exclusive collaboration between artist Mohamed Almusibli and Music Producer Soraya Lutangu Bonaventure. The spoken words of Almusibli are enhanced by Lutangu’s sensitive play on notes.
Mohamed Almusibli, born in Sana’a, Yemen, 1990 (YE & CH). Lives and works in Geneva
Mohamed’s work revolves around text and the spoken work to which he gives form in installations, performances, sound and video and addresses questions of authorship, perception and subjectivity in history and contemporary culture. His work was shown in numerous institutions such as the Renaissance Society in Chicago, The Kunsthalle Saint-Gallen and The Istituto Svizzero in Rome among others. Mohamed Almusibli is also an active curator and in 2019, he co-founded the artist run space Cherish.
Soraya Lutangu Bonaventure, 1988, Lives and works in Amsterdam, Kampala and Zürich.
“With music, performance, and film, Soraya Lutangu Bonaventure is attempting to materialize feelings dwelling between empathy, mourning, togetherness and joy. Her practice allows the creation of practical and speculative languages while finding new ways to belong in the culture continuum of Otherness. By addressing questions of displacement, aliveness and the diasporic imaginary, Bonaventure builds expressive systems of repair that speculate on the poetic notions of Blackness, queerness, technology, and spirituality.
Between Tails Forever est une collaboration exclusive entre l’artiste Mohamed Almusibli et la productrice de musique Soraya Lutangu Bonaventure. La lecture d’Almusibli sont mis en valeur par le jeu sensible des notes de Lutangu.
Satellite hypnosis
Satellite hypnosis is a proposal to metamorphose into a satellite. Starting from the ground, in an ascent towards the sky, this meditative reading suggests crossing the various layers of the atmosphere, to extract your body from gravity, to experience stories of objects previously projected in space. Finally, in orbit above our planet, if you wish, we will look down upon it as an extraordinary being.
The text is in French language. To get the full experience, it is better to listen to this piece with headphones, and lying down, relaxed in a quiet place.
Sound design: FlexFab and Lauren Huret
Text: Lauren Huret
Mixing: FlexFab l
Satellite hypnosis est une proposition de se métamorphoser en satellite. Partant depuis notre sol et dans cette ascension vers le ciel, cette lecture méditative vous suggère de traverser les différentes strates de l’atmosphère, d’extraire votre corps de la gravité, de vivre les histoires d’objets projetés dans l’espace. Enfin, en orbite au-dessus de notre planète, si nous le voulons bien, nous la regarderons de haut comme une créature extraordinaire.
Pour une meilleure expérience, il est conseillé d’écouter cette proposition sonore avec des écouteurs en étant allongé.e, détendu.e et dans un endroit silencieux.
Royaume Rose
Vidya continues her semantic, conceptual and sensitive research on the effect of colors inaugurated with the color green in the piece Greenwashing made in collaboration with LexiFleur in 2022.
This new enumeration of the names of colors of Rose proposed by the marketing on the basis of our common imagination emancipates itself slowly towards a form of recitation-poetry.
The beginning of a floating narrative emerges through the overlapping, selected juxtaposition, alliteration and duplication of the names of the different rose tones finely intertwined in Alexandre Joly’s languid and hypnotic sound universe.
This pink kingdom as evoked in some of Vidya’s drawings seems here to be able to unfold indefinitely through the kaleidoscopic grace of Alexandre’s sound composition. The words and sounds, attune and marry, titillate and merge in a form of erotic lullaby beyond any temporal and critical logic touching deeply our bodies of emotions, multidimensional and sensory sponges.
Vidya Gastaldon is a Swiss-French artist born in 1974 in Besançon, France. She studied at École supérieure d’art de Grenoble, France. She lives and works in Brénod, France.
Gastaldon’s figurative paintings depict forms seemingly inhabiting wondrous worlds in which nature would have a magical force. Her cosmic representations give the appearance of a larger, complex ecosystem. Beyond paintbrushes and pencils, her artistic practice encompasses yoga, gardening, as well as meditation and readings of sacred texts and comics. This diversity contributes to creating a protean world, harmoniously ‘split’ between light and darkness, origins and apocalypse, micro- and macrocosms. Gastaldon nevertheless adheres to non-binary modes of representation. Spirits, allegories, and divinities cohabit in dazzling, dazed landscapes that touch on the sacred and the secular, art history, and the vernacular. Beyond references and appropriations, Gastaldon’s art essentially stems from visions; the artist describes herself as their mere vector or instrument. This approach is uncommon in the recent history of art.
Selected institutional solo shows include those at Musée de l’Abbaye Sainte-Croix (Les Sables d’Olonne, France), MAMCO (Geneva), Centre d’art contemporain Les Capucins (Embrun, France), Swiss Institute New York (USA) and Kunstmuseum Thun (Switzerland). Her work was exhibited in numerous group exhibitions such as those at the Kuntmuseum Bern (Switzerland), Palais de Tokyo (Paris, France), Salon Suisse (Venice Biennale, Italy) and FriArt (Fribourg, Switzerland), Wilhelm-Hack-Museum (Ludwigshafen, Germany), Triennale d’Art Contemporain du Valais (Martigny, Switzerland), and Musée national d’art moderne – Centre Pompidou (Paris).
Gastaldon’s works are featured in several public art collections, including Centre National des Arts Plastiques (France), Credit Suisse, Fonds Municipal d’Art Contemporain (Geneva), Kadist Art Foundation (Paris), Kunstmuseum Bern (Switzerland), MAMCO (Geneva), MNAM – Centre Pompidou (Paris), Walsall Museum (UK) and the Pinault Collection (Paris).
Alexandre Joly was born in 1977 in Saint-Julien-en-Genevois, France. He studied at the Haute Ecole d’Art et de Design de Genève and the Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Genève. He lives and works in Geneva, Switzerland.
Joly’s current practice combines sculpture and sound installations. He often creates site-specific works that significantly explore man’s aesthetic, ethical, spiritual, magical, and ritualistic relationship with nature. For his sculptures, Joly constructs a realm of hybrid phantasmagoria where poetry and imagination come to life narrated by the tracks of his sound installations. In his work, we see prominent fauna imagery and its textural palpability. This appeal to nature, its materials, and its enchanting and mysterious aura allow the artist to create compound beings with a benevolent presence. They immerse the audience in a visual and sensorial journey.
In 2022, Joly’s work was featured in a solo exhibition at the Ariana Museum (Geneva, Switzerland) and at Wilde (Geneva, Switzerland). Alexandre Joly has been awarded numerous competitions, grants and awards which include the competition for the permanent artistic composition of a park for l’Espace de Vie Enfantine in 2019, the Fondation Irène Reymond Prize in 2010 and the Suisse Art Awards in 2007. He exhibited in numerous solo exhibitions including those at the Museum of Natural History (Geneva, Switzerland), the Chengdu Institut of Biology (Chengdu, China) and the Musée des beaux Arts du Locle (Le Locle, Switzerland). Joly has also been represented in numerous group shows both in Switzerland and internationally, such as at the Fondation Bruckner (Carouge, Switzerland), the Nationnal Center for Contemporary Arts (Moscow, Russia) and at Espacio Odeon (Bogota, Colombia).
Vidya poursuit sa recherche à la fois sémantique, conceptuelle et sensible sur l’effet des couleurs inaugurée avec la couleur verte dans le morceau « greenwashing » fait en collaboration avec LexiFleur en 2022.
Cette nouvelle énumération des noms de couleurs de Rose proposées par le marketing sur la base de notre imaginaire commun s’émancipe doucement vers une forme de récitation-poésie.
Un début de narration flottante émerge à travers les recouvrements, juxtaposition choisies, allitération et dédoublement des noms des différentes tonalités de rose finement entrelacées dans l’univers sonore languissant et hypnotique d’Alexandre Joly.
Ce royaume rose tel qu’évoqué dans certains dessins de Vidya semble ici pouvoir se déployer indéfiniment par la grâce kaléidoscopique de la composition sonore d’Alexandre. Les mots et les sons, s’accordent et s’épousent, se titillent et fusionnent dans une forme de berceuse érotique au-delà de toute logique temporelle et critique pour venir toucher profondément nos corps d’émotions, éponges multidimensionnelle et sensorielles.
Vidya Gastaldon est une artiste franco-suisse, née en 1974 à Besançon, elle vit et travaille à Genève et dans l’Ain dans une ferme sur le plateau de Hauteville-Lompnes.
À travers ses dessins, ses peintures et ses sculptures, l’artiste déploie une esthétique des « états de conscience » au-delà des références formelles ou théoriques où les notions de plaisir et d’expérience trouvent une force nouvelle.
« Les dessins de Vidya Gastaldon semblent être le produit d’hallucinations. Ses paysages permettent d’aborder le passage de l’infiniment grand à l’infiniment petit, de percevoir simultanément le macrocosme et les grouillements de sa constitution cellulaire. L’univers que décline V. Gastaldon au travers de ses dessins, mais également de ses sculptures et de ses films, est constitué de matière vivante, en constante mutation, en constante transmigration. Cette vision peut être qualifiée de « naturiste », en opposition à « naturaliste ».
Biologie. Écologie. Cosmologie. Cosmogonie; Chaque paysage représente un niveau de conscience du monde, un principe de connaissance qui, le plus souvent au sein d’une même feuille, se multiplie, se diversifie, se convertit, selon une logique non linéaire, propre au trait de l’artiste. » Fabrice Stroun, extrait du texte de l’exposition Biolovarama, MAMCO, Genève, 2005
Elle participe régulièrement à de nombreuses expositions personnelles et collectives en Suisse et à l’étranger et est actuellement représentée par les galeries Wilde à Genève et Art:concept à Paris
Elle a co-dirigé l’espace d’art Zabriskie Point à Genève entre 2010 et 2015.
Elle enseigne dans l’option Représentation de la HEAD Genève.
Depuis 2015 elle fait partie de l’association du Centre d’Art Contemporain de Lacoux.
Elle pratique et enseigne le yoga du cachemire et s’est intéressée particulièrement aux textes sacrées de l’Inde.
Alexandre Joly est un artiste plasticien et musicien, sa pratique actuelle combine la sculpture, les installations et les performances sonores, créant souvent des installations in situ qui explorent sensiblement les relations esthétiques, éthiques, spirituelles et rituelles que l’homme entretient avec la nature.
Royaume Rose
Vidya continues her semantic, conceptual and sensitive research on the effect of colors inaugurated with the color green in the piece Greenwashing made in collaboration with LexiFleur in 2022.
This new enumeration of the names of colors of Rose proposed by the marketing on the basis of our common imagination emancipates itself slowly towards a form of recitation-poetry.
The beginning of a floating narrative emerges through the overlapping, selected juxtaposition, alliteration and duplication of the names of the different rose tones finely intertwined in Alexandre Joly’s languid and hypnotic sound universe.
This pink kingdom as evoked in some of Vidya’s drawings seems here to be able to unfold indefinitely through the kaleidoscopic grace of Alexandre’s sound composition. The words and sounds, attune and marry, titillate and merge in a form of erotic lullaby beyond any temporal and critical logic touching deeply our bodies of emotions, multidimensional and sensory sponges.
Vidya Gastaldon is a Swiss-French artist born in 1974 in Besançon, France. She studied at École supérieure d’art de Grenoble, France. She lives and works in Brénod, France.
Gastaldon’s figurative paintings depict forms seemingly inhabiting wondrous worlds in which nature would have a magical force. Her cosmic representations give the appearance of a larger, complex ecosystem. Beyond paintbrushes and pencils, her artistic practice encompasses yoga, gardening, as well as meditation and readings of sacred texts and comics. This diversity contributes to creating a protean world, harmoniously ‘split’ between light and darkness, origins and apocalypse, micro- and macrocosms. Gastaldon nevertheless adheres to non-binary modes of representation. Spirits, allegories, and divinities cohabit in dazzling, dazed landscapes that touch on the sacred and the secular, art history, and the vernacular. Beyond references and appropriations, Gastaldon’s art essentially stems from visions; the artist describes herself as their mere vector or instrument. This approach is uncommon in the recent history of art.
Selected institutional solo shows include those at Musée de l’Abbaye Sainte-Croix (Les Sables d’Olonne, France), MAMCO (Geneva), Centre d’art contemporain Les Capucins (Embrun, France), Swiss Institute New York (USA) and Kunstmuseum Thun (Switzerland). Her work was exhibited in numerous group exhibitions such as those at the Kuntmuseum Bern (Switzerland), Palais de Tokyo (Paris, France), Salon Suisse (Venice Biennale, Italy) and FriArt (Fribourg, Switzerland), Wilhelm-Hack-Museum (Ludwigshafen, Germany), Triennale d’Art Contemporain du Valais (Martigny, Switzerland), and Musée national d’art moderne – Centre Pompidou (Paris).
Gastaldon’s works are featured in several public art collections, including Centre National des Arts Plastiques (France), Credit Suisse, Fonds Municipal d’Art Contemporain (Geneva), Kadist Art Foundation (Paris), Kunstmuseum Bern (Switzerland), MAMCO (Geneva), MNAM – Centre Pompidou (Paris), Walsall Museum (UK) and the Pinault Collection (Paris).
Alexandre Joly was born in 1977 in Saint-Julien-en-Genevois, France. He studied at the Haute Ecole d’Art et de Design de Genève and the Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Genève. He lives and works in Geneva, Switzerland.
Joly’s current practice combines sculpture and sound installations. He often creates site-specific works that significantly explore man’s aesthetic, ethical, spiritual, magical, and ritualistic relationship with nature. For his sculptures, Joly constructs a realm of hybrid phantasmagoria where poetry and imagination come to life narrated by the tracks of his sound installations. In his work, we see prominent fauna imagery and its textural palpability. This appeal to nature, its materials, and its enchanting and mysterious aura allow the artist to create compound beings with a benevolent presence. They immerse the audience in a visual and sensorial journey.
In 2022, Joly’s work was featured in a solo exhibition at the Ariana Museum (Geneva, Switzerland) and at Wilde (Geneva, Switzerland). Alexandre Joly has been awarded numerous competitions, grants and awards which include the competition for the permanent artistic composition of a park for l’Espace de Vie Enfantine in 2019, the Fondation Irène Reymond Prize in 2010 and the Suisse Art Awards in 2007. He exhibited in numerous solo exhibitions including those at the Museum of Natural History (Geneva, Switzerland), the Chengdu Institut of Biology (Chengdu, China) and the Musée des beaux Arts du Locle (Le Locle, Switzerland). Joly has also been represented in numerous group shows both in Switzerland and internationally, such as at the Fondation Bruckner (Carouge, Switzerland), the Nationnal Center for Contemporary Arts (Moscow, Russia) and at Espacio Odeon (Bogota, Colombia).
Vidya poursuit sa recherche à la fois sémantique, conceptuelle et sensible sur l’effet des couleurs inaugurée avec la couleur verte dans le morceau « greenwashing » fait en collaboration avec LexiFleur en 2022.
Cette nouvelle énumération des noms de couleurs de Rose proposées par le marketing sur la base de notre imaginaire commun s’émancipe doucement vers une forme de récitation-poésie.
Un début de narration flottante émerge à travers les recouvrements, juxtaposition choisies, allitération et dédoublement des noms des différentes tonalités de rose finement entrelacées dans l’univers sonore languissant et hypnotique d’Alexandre Joly.
Ce royaume rose tel qu’évoqué dans certains dessins de Vidya semble ici pouvoir se déployer indéfiniment par la grâce kaléidoscopique de la composition sonore d’Alexandre. Les mots et les sons, s’accordent et s’épousent, se titillent et fusionnent dans une forme de berceuse érotique au-delà de toute logique temporelle et critique pour venir toucher profondément nos corps d’émotions, éponges multidimensionnelle et sensorielles.
Vidya Gastaldon est une artiste franco-suisse, née en 1974 à Besançon, elle vit et travaille à Genève et dans l’Ain dans une ferme sur le plateau de Hauteville-Lompnes.
À travers ses dessins, ses peintures et ses sculptures, l’artiste déploie une esthétique des « états de conscience » au-delà des références formelles ou théoriques où les notions de plaisir et d’expérience trouvent une force nouvelle.
« Les dessins de Vidya Gastaldon semblent être le produit d’hallucinations. Ses paysages permettent d’aborder le passage de l’infiniment grand à l’infiniment petit, de percevoir simultanément le macrocosme et les grouillements de sa constitution cellulaire. L’univers que décline V. Gastaldon au travers de ses dessins, mais également de ses sculptures et de ses films, est constitué de matière vivante, en constante mutation, en constante transmigration. Cette vision peut être qualifiée de « naturiste », en opposition à « naturaliste ».
Biologie. Écologie. Cosmologie. Cosmogonie; Chaque paysage représente un niveau de conscience du monde, un principe de connaissance qui, le plus souvent au sein d’une même feuille, se multiplie, se diversifie, se convertit, selon une logique non linéaire, propre au trait de l’artiste. » Fabrice Stroun, extrait du texte de l’exposition Biolovarama, MAMCO, Genève, 2005
Elle participe régulièrement à de nombreuses expositions personnelles et collectives en Suisse et à l’étranger et est actuellement représentée par les galeries Wilde à Genève et Art:concept à Paris
Elle a co-dirigé l’espace d’art Zabriskie Point à Genève entre 2010 et 2015.
Elle enseigne dans l’option Représentation de la HEAD Genève.
Depuis 2015 elle fait partie de l’association du Centre d’Art Contemporain de Lacoux.
Elle pratique et enseigne le yoga du cachemire et s’est intéressée particulièrement aux textes sacrées de l’Inde.
Alexandre Joly est un artiste plasticien et musicien, sa pratique actuelle combine la sculpture, les installations et les performances sonores, créant souvent des installations in situ qui explorent sensiblement les relations esthétiques, éthiques, spirituelles et rituelles que l’homme entretient avec la nature.
Moon Motet
This “motet” is inspired by Candra-prabha, the goddess of the moon in Tibetan culture. Galaxia translated the Buddhist scripture (about celebrating the moon) into Colossia, a language invented by Galaxia to show his system of synesthesia.
Lväo iike
Voie j-li Lväo Phfäoföeut
Voie j-li rfrohkam j-Lväo
Li ghdèellinn j-li Lväo ij äorröe hyhluuen. Vç gkunv li lvä röcomömäa. Éeoiiçv thuzrhev li oä vç ivi jiquroer-ès.
Li öil-wèu ivi éeokr th phpüccon unmfäonev . Li höfhäsünn hhc oäokpöv. Stäghoeoehx ihev ut li bohn ivi hyhluuen.
Li lztodcräokm j-li Lväo Li iitu roiv xiiäs th li fkob ropv ii iike. Uon”tesnn ut li Lväo ropv ii t-r. Vç ropv ii L-bohä th roiv rot x üoxn is-Onn.
Xyhzev-bpeuq öceezjkv li bohfvoj éi. Oäokpöv suxnsfahaj. Vd äonuu öfhäounv li wesivom.
Voie j-li lväoa. Li lväoa bofhruunv. Oäokpfhäv li fkob-fhäo. Jié li shäfhsivom fcroo v oäoféèiv th unluhömrv vd äonuu hyhluuen.
Li teutom ivi iike th Onn e-boh. Vd lvröetom-Suüs ivi süiike. Diyromuhx v hhç chénhx ii oäokpö hd aoebäo üumäofh.
The palace of the eternal moon is peaceful and quiet, the clouds and the light change. The world is like the moon, and we observe and persevere in the midst of change.
The night sky is clear, the bright moon shines alone and the jade shines on the earth.
Shines with a thousand lights, our hearts are clear to understand each other.
Moon motet is a series of musical compositions.
Galaxia Wang created these four musical compositions while participating in the artist residency program of the Quinoa Festival in Lijiang, Yunnan, in 2021 – 2022.
The art project aims to protect the environment, clean up the land, and preserve the diverse cultural beliefs of local minorities. The fields in Lijiang have been completely newly planted with quinoa to improve the local soil environment.
Galaxia Wang visited the local minorities and learned about the unique cultural atmosphere of the area, where various ethnic religions intersect. At night, people of different nationalities worship the moon together.
Among them, Moon motet, where Galaxia creates music in its own unique synaesthetic language, using praising verses of local moonlight bodhisattvas, where crowds circle around rising flames to worship nature together.
Four pieces of music are circulating in the fields of Lijiang as the leaders of the opening of the festival.
Writing (in Colossia) by Galaxia Wang
Music by Galaxia Wang
Reading by Lilinda Margraf
Galaxia Wang’s work is deeply rooted in his intimate knowledge of Asian mythology and astrology. It’s not uncommon to find elements such as a fox with nine tails, a waterfall with an astral chart, an imaginary language – Colossia – fireflies, or the northern lights in his videos, paintings, or photographs. The artist also takes a keen interest in the political and social systems that shape our interactions and perceptions. Themes of gender, sexuality, and identity surface in his allegorical narratives and are interwoven with the docu-fictions he creates.
(written by Séverine Fromaigeat in 2018)
His work has been shown in solo exhibitions at Salle Crosnier | Palais de l’Athénée, Geneva (2018), Centre d’Art Contemporain in Geneva (2017) and the MilkShake Agency, Geneva (2016). He has participated in numerous group exhibitions at Centre d’Art Contemporain in Geneva (2020), Fondation d’entreprise Ricard, Paris (2019), Centre de la Photographie Genève (2017), Live in your head, Geneva (2017), Centre Culturel du Manoir (2016).
Galaxia Wang, born February 6, 1990 in Yingkou, China, lives between Beijing and Geneva. He holds a Master’s degree, “Workmaster” orientation, from HEAD-Geneva and a Bachelor’s degree in visual arts (painting, sculpture and video) from the China central academy of fine arts (CAFA) (2008-2012).
Ce « motet » est inspiré par Candra-prabha, la déesse de la lune dans la culture tibétain, Galaxia a traduit l’écriture bouddhique (sur célébrer la lune) en Colossia, une langue inventé par Galaxia pour montrer son système de la synesthésie.
Lväo iike
Voie j-li Lväo Phfäoföeut
Voie j-li rfrohkam j-Lväo
Li ghdèellinn j-li Lväo ij äorröe hyhluuen. Vç gkunv li lvä röcomömäa. Éeoiiçv thuzrhev li oä vç ivi jiquroer-ès.
Li öil-wèu ivi éeokr th phpüccon unmfäonev . Li höfhäsünn hhc oäokpöv. Stäghoeoehx ihev ut li bohn ivi hyhluuen.
Li lztodcräokm j-li Lväo Li iitu roiv xiiäs th li fkob ropv ii iike. Uon”tesnn ut li Lväo ropv ii t-r. Vç ropv ii L-bohä th roiv rot x üoxn is-Onn. Xyhzev-bpeuq öceezjkv li bohfvoj éi. Oäokpöv suxnsfahaj. Vd äonuu öfhäounv li wesivom.
Voie j-li lväoa. Li lväoa bofhruunv. Oäokpfhäv li fkob-fhäo. Jié li shäfhsivom fcroo v oäoféèiv th unluhömrv vd äonuu hyhluuen.
Li teutom ivi iike th Onn e-boh. Vd lvröetom-Suüs ivi süiike. Diyromuhx v hhç chénhx ii oäokpö hd aoebäo üumäofh.
Moon motet est une série de compositions musicales.
Galaxia Wang a créé ces quatre compositions musicales en participant au programme de résidence d’artistes du Festival quinoa à Lijiang, Yunnan, en 2021 – 2022.
Le projet artistique vise à protéger l’environnement, à assainir les terres et à préserver les diverses croyances culturelles des minorités locales. Les champs de Lijiang ont été entièrement nouveaux plantés de quinoa pour améliorer l’environnement du sol local.
Galaxia Wang a visité les minorités locales et a appris l’atmosphère culturelle unique de la région, où se croisent diverses religions ethniques. La nuit, les gens de différentes nationalités adorent ensemble la lune.
Parmi eux, Moon motet, où Galaxia crée de la musique dans son propre langage synesthésique unique, en utilisant des versets élogieux de bodhisattvas au clair de lune locaux, où les foules tournent autour de flammes montantes pour adorer ensemble la nature.
Quatre musiques circulent dans les champs de Lijiang en tant que chefs de file de l’ouverture du festival.
Musique de Galaxia Wang
Lecture et voix par Lilinda Margraf
Le travail de Galaxia Wang est irrigué de sa connaissance, profonde et intime, de la mythologie asiatique et de l’astrologie. Ainsi, il n’est pas rare de croiser dans les vidéos, peintures ou photographies de l’artiste, un renard à neuf queues, une cascade et son thème astral, un langage imaginaire – le Colossia –, quelques lucioles ou encore des aurores boréales. L’artiste s’intéresse également de près aux systèmes politiques et sociaux qui régissent aussi bien nos interactions que nos perceptions. Les questions de genre, de sexualité et d’identité surgissent ainsi au coeur de ses récits allégoriques et s’imbriquent aux docu-fictions qu’il compose.
(écrit par Séverine Fromaigeat en 2018)
Son travail a été montré dans des expositions personnelles à la Salle Crosnier | Palais de l’Athénée, Geneva (2018), Centre d’Art Contemporain à Genève (2017) et la MilkShake Agency, Genève (2016). Il a participé à de nombreuses expositions collectives au Centre d’Art Contemporain à Genève (2020), Fondation d’entreprise Ricard, Paris (2019), au Centre de la Photographie Genève (2017), live in your head, Genève (2017), Centre Culturel du Manoir (2016).
Galaxia Wang, né le 6 Fevrier 1990 à Yingkou, chine, vit entre Pékin et Genève. Il est titulaire d’un Master, orientation «Workmaster» de la HEAD–Genève et d’un bachelor en arts visuels (peinture, sculpture et vidéo) de la China central academy of fine arts (CAFA) (2008-2012)
Donate
There are many different ways you can make a meaningful gift today!
Joyfully Waiting/WOMB is a not-for-profit organization.
Payments are accepted both by credit card or via bank transfer.
Il existe de nombreuses façons de faire un don significatif aujourd’hui !
Joyfully Waiting/ WOMB est une association à but non lucratif.
Les paiements sont acceptés par carte de crédit ou par virement bancaire.